Arthur Hnatek.
Den Prozess offen halten.
Arthur Hnatek über Undertow, Schlagzeug als Klangquelle und Live-Elektronik ohne festes Raster.
Arthur Hnatek
Eine lange Improvisation, drei Minuten daraus – und ein Stück, dessen Form schon da war. Für Undertow auf Hessle Audio hört Arthur Hnatek in seine Schlagzeugaufnahmen hinein: Er entdeckt Melodien in Resonanzen, bewahrt kleine Verschiebungen im Timing und setzt Schnitte als rhythmisches Werkzeug ein. Wir sprechen darüber, wie aus offenem Spiel vier zusammengehörige Tracks werden und warum der kreative Prozess live weitergeht.
Arthur Hnatek verbindet Schlagzeug und elektronische Klangerzeugung. In diesem Gespräch erklärt er den Weg von den Improvisationen zu Undertow und den Instrumenten, mit denen er seine Arbeit live weiterführt.
Das Stück in der Performance finden
Du hast mit langen Schlagzeugimprovisationen ohne festen Plan begonnen. Was hat dich beim späteren Anhören dazu gebracht, eine bestimmte Passage zu behalten? Kannst du uns einen Moment beschreiben, aus dem ein Track entstanden ist?
Ich glaube, das war vor allem intuitiv. Ich habe nicht unbedingt nach dem interessantesten Rhythmus oder dem technisch gelungensten Moment gesucht, sondern eher nach etwas, das ein bestimmtes Gefühl oder einen eigenen Charakter hatte.
Der Titeltrack Undertow ist ein gutes Beispiel. Er entstand aus einer Schlagzeugimprovisation, die ich in einem Studio in Winterthur in der Schweiz aufgenommen habe und die etwa 15 oder 20 Minuten dauerte. Der fertige Track besteht im Grunde aus drei Minuten, die direkt aus der Mitte dieser Aufnahme stammen. Das Interessante für mich ist, dass die Struktur, die Veränderungen und sogar das Ende schon in der ursprünglichen Performance vorhanden waren. Ich musste eigentlich nichts neu arrangieren. Es ging eher darum zu erkennen, dass dieses kleine Musikstück innerhalb der längeren Improvisation bereits existierte.
Wenn Schlagzeug zu Melodie wird
Im Begleittext zur Veröffentlichung ist davon die Rede, dass Melodie und Atmosphäre aus den Schlagzeugaufnahmen selbst entstehen. Kannst du ein Beispiel für diese Verwandlung geben: Was war der ursprüngliche Klang, und was hast du damit gemacht, sodass du ihn anders gehört hast?
Mich hat die tonale Seite des Schlagzeugspiels schon immer interessiert, und ich glaube, dass ich beim Spielen ohnehin recht melodisch an das Instrument herangehe. Für diese EP wollte ich das weiter erkunden und die Aufnahmen selbst nutzen, um Melodien und harmonische Texturen zu erzeugen.
Loom ist dafür ein gutes Beispiel. Ich habe unter anderem den Torso S-4 Sampler, das Eurorack-Modul Tetrachords von Cycle Instruments sowie verschiedene Resonatoren und Plugins zur spektralen Klangbearbeitung verwendet. Mit einigen davon kann ich die Resonanzen des Schlagzeugs auf bestimmte Töne stimmen; andere nutzen die Transienten des Schlagzeugs, um MIDI-Noten und zusätzliche Klänge auszulösen. Mir gefällt die Idee sehr, dass das Schlagzeug nicht nur den Rhythmus erzeugt, sondern auch die melodischen und atmosphärischen Elemente eines Tracks.
In diesem Sinne ist der Liveauftritt eher eine Fortsetzung des kreativen Prozesses als eine Reproduktion der Aufnahmen.
Jenseits des festen Rasters
Wie entscheidest du beim Bearbeiten einer Performance, welche Unregelmässigkeiten bleiben? Gab es auf dieser EP einen Moment, in dem etwas regelmässiger zu machen genau das zerstört hat, was dir daran gefiel?
Eigentlich wollte ich die Aufnahmen überhaupt nicht quantisieren. Ich wollte die natürliche Bewegung des Spiels bewahren, einschliesslich all der kleinen zeitlichen Verschiebungen. Deshalb wechseln manche Tracks auf der EP auch zwischen verschiedenen Tempi oder rhythmischen Unterteilungen. Mir gefällt die Idee, sich von einem festen Raster zu lösen und den Rhythmus freier entwickeln zu lassen.
Sunder ist in gewisser Weise eine interessante Ausnahme. Ich habe mehrere Grooves zu einem Klick aufgenommen, es gab also ein festes Tempo. Danach habe ich die Aufnahmen aber ziemlich stark bearbeitet, zerschnitten und neu zusammengesetzt, um dieses fast zerhackte, quantisierte Gefühl zu erzeugen. Statt das Timing des Spiels zu korrigieren, habe ich also die Bearbeitung selbst als rhythmisches Werkzeug eingesetzt.
Vier Tracks aus zwanzig
Wie kam der Kontakt mit Hessle Audio zustande? Hat ihre Reaktion etwas an den Tracks verändert oder dir geholfen zu erkennen, was als EP zusammengehört?
Ich verfolge und schätze die Veröffentlichungen von Hessle Audio schon seit vielen Jahren, hatte aber eigentlich nie daran gedacht, ihnen meine eigene Musik zu schicken. Banu macht Musik in Berlin, und wir sind befreundet. Nach dem Anhören früher Versionen der Tracks kam von Banu ganz beiläufig der Vorschlag, dass Hessle daran interessiert sein könnte. Das gab mir den Anstoss, sie ihnen zu schicken, und ich war wirklich überrascht, wie schnell sie reagiert haben.
Zu diesem Zeitpunkt hatte ich einen SoundCloud-Ordner mit über 20 Tracks, die alle aus derselben Phase des Experimentierens stammten. Sehr inspirierend fand ich, wie sorgfältig sie alles durchgehört haben und vier Tracks ausmachen konnten, die als EP zusammenpassten. Ich steckte so tief im Material, dass es mir schwerfiel, das Ganze zu überblicken. Ihre Perspektive war deshalb unglaublich hilfreich dabei, die Veröffentlichung zu formen.
Den Prozess live weiterführen
Was möchtest du offenlassen, wenn du dieses Material live spielst? Gibt es einen Teil des Prozesses, den du bewusst nicht zweimal genau gleich wiederholen möchtest?
Ich versuche eigentlich gar nicht, diese Tracks live zu reproduzieren. Vieles von dem, was während der Aufnahmen passiert ist, war ziemlich spontan. Genau diese Momente nachzubilden, wäre ohnehin fast unmöglich.
Viel interessanter finde ich es, die Prozesse, die ich bei der Arbeit an der EP entdeckt habe, in eine Livesituation zu übertragen. Neben meinem Schlagzeug nutze ich Instrumente und Effekte wie den Elektron Digitone, Torso S-4, Tetrachords und Eventide H90; viele davon waren auch am Produktionsprozess beteiligt. Aber statt die fertigen Tracks zu spielen, erkunde ich mit diesen Werkzeugen völlig neue Ideen. In diesem Sinne ist der Liveauftritt eher eine Fortsetzung des kreativen Prozesses als eine Reproduktion der Aufnahmen.
Arthur Hnatek
Interview per E-Mail · Redaktion und Bildgestaltung: SCENE:ID. vog.photo · Courtesy of Arthur Hnatek